Corso di Sceneggiatura a Roma

Come diventare Sceneggiatore? Scopri il programma

In breve, una sintetica scaletta degli argomenti che verranno trattati dal docente durante il master di Sceneggiatura:

• DALL’IDEA ALLA PREPARAZIONE
  Apprendimento delle principali fasi di stesura di uno script: idea e tema, soggetto e trattamento, scaletta e scalettone. Ma anche: schede dei personaggi, striscioline di carta e grandi lavagne. Tagline, logline e pitching. La preparazione è quella fase in cui tutto prende forma. Una fase ideativa in cui è necessario cominciare a coinvolgere gli altri, comunicando nel modo corretto le nostre idee.
• LA SCRITTURA CINEMATOGRAFICA
  Scrivere una sceneggiatura. Forme e modi di scrittura. Impostazione tecnica di uno script. Un testo in codice codificato che va redatto nel modo corretto, utile per comunicare la bontà della nostra storia per immagini, reperire fondi, far partire la macchina produttiva e pianificarne necessità e costi. Una scrittura insolita, ibrido tra parola e immagine, che implica grande competenza tecnica e conoscenza di diversi linguaggi.
• IL LINGUAGGIO CINEMATOGRAFICO
  La scena, prima di tutto. Ma anche la sequenza, la scena sequenza, il piano sequenza e le inquadrature. Lo sceneggiatore pianifica regia, fotografia e montaggio, veste i personaggi, li cala in un contesto e ipotizza la colonna sonora del film (musica, silenzi, rumori e parole). Conoscere tutti gli aspetti del linguaggio cinematografico è essenziale per scrivere uno script.
• LA NARRAZIONE CINEMATOGRAFICA
  Cosa raccontare e come raccontare. Come rapportarsi all’idea e imparare a drammatizzare per immagini. Differenza tra letteratura e drammaturgia, tra lettura e visione. Lo sceneggiatore non racconta, mette in scena, attraverso un linguaggio narrativo che affonda le sue origini nel teatro greco classico. Un linguaggio che ha le sue regole, una propria grammatica. Lettere alfabetiche che è possibile apprendere per poi ricomporre in un discorso coinvolgente ed efficace.
• LA STRUTTURA
  Da Aristotele a Syd Field: far propria la struttura, ovvero la costruzione di una trama per immagini. Partendo dalla struttura classica, quella che mira dalla notte dei tempi a soddisfare le esigenze dello spettatore, attraversando strutture più moderne e anticonvenzionali, l’obiettivo è cogliere il presente della struttura, sfaccettato e complesso, per tentare nuove strade. Per farlo è necessario l’apprendimento delle principali composizioni drammaturgiche giunte sino a noi: classica, antistrutturale, corale, episodica, a puzzle, antilineare, plurilineare, a nastro di Moebius, a due, tre, quattro o cinque atti.
• NODI DRAMMATICI
  Quattro sono le storie, affermava Borges, per tutto il tempo che ci rimane continueremo a narrarle, trasformate. Analisi dei principali conflitti e delle loro variazioni, individuazione dei più importanti nodi drammatici, dall’evento dinamico al climax del terzo atto, passando per il mid point.
• LA GESTIONE DEL TEMPO E DELLO SPAZIO
  Tra le tante arti che deve apprendere uno sceneggiatore: muoversi nel tempo e nello spazio. Montaggio ellittico ed elisse narrativa. Ordine, durata e frequenza. Tempi morti, ritmo e densità. Unità di tempo e di spazio: il cinema rinchiuso in una stanza. Dal tempo lineare ai più labirintici tempi della modernità.
• MECCANISMI DI DRAMMATIZZAZIONE, OVVERO LA GESTIONE DELLE INFORMAZIONI
  Apprendimento dei principali meccanismi di drammatizzazione, dalla suspense al conto alla rovescia, dal colpo di scena al foreshadowing. Informare, o non informare, il pubblico e i personaggi cambia tutto in termini di coinvolgimento. Pistole di Cechov, semine e raccolte, false piste e saper prendere il pubblico per la gola. L’ironia drammatica e il presagio della catastrofe: quando lo spettatore ne sa più del personaggio. Principi e applicazioni, tra suspense, sorpresa e mistero.
• IL PERSONAGGIO. MOTORE, CUORE E ANIMA
  La caratterizzazione dei personaggi, ovvero l’arte di saper dar vita ai personaggi. La trama è un materiale freddo, si costruisce. Caldi sono i personaggi, ma quelli si debbono semplicemente conoscere, ma si tratta di un’impresa spesso trascurata e non da poco. Esposizione dei caratteri tra aspetto fisico, background e personalità. Strumenti di caratterizzazione: dal contesto all’aspetto, dalla scelta alla ferita. Complessità, motivazione e statura del personaggio.
• IL DIALOGO
  Funzioni e tecnica del dialogo. Telefonata in avanti e gestione della parola. Voce over, voce fuori campo e scritte. In un contesto in cui a prevalere è l’azione, la parola va gestita con cautela ed è l’ultimo tra gli strumenti drammatici. Specificità del dialogo cinematografico e televisivo. Uno strumento di caratterizzazione, prima di tutto, che deve sempre avere più di uno scopo. Caratteristiche ed errori ricorrenti. Imparare a far parlare i personaggi.
• I PRINCIPI DELLA DRAMMATURGIA
  Solo l’osservazione di ciò che è stato fatto ci permette di stabilire cosa ha funzionato e cosa no in termini drammaturgici. Ma, non essendo in presenza di una scienza esatta, anche i principi della drammaturgia vanno presi con la giusta cautela. Alcuni non sono mai stati infranti, con altri ci siamo presi maggiori libertà. Impadronirsi di queste regole è necessario per scrivere una storia per immagini e, soprattutto, per tentare di farlo in maniera originale. Il principio delle unità, della compattezza, del crescendo e dell’esposizione visiva, solo per citarne alcuni.
• IL CORTOMETRAGGIO
  Il corto non è semplicemente un lungo breve, ma una forma di narrazione a se stante. Principali differenze strutturali e narrative di una sceneggiatura cinematografica in base alla sua lunghezza. I limiti del cortometraggio e la sua essenza, tra personaggi senza psicologia e potenza espressiva. Per chi comincia, l’apprendimento ha inizio qui, in una palestra in cui libertà e semplicità si fondono con le armi del mestiere.
• UNO SGUARDO ALLO SPETTATORE
  Nozioni generali di tecnica e di linguaggio in relazione alla percezione spettatoriale, nel tentativo di conquistare il nostro spettatore ideale. L’esperienza cinematografica e televisiva tra comprensione, memorizzazione, anticipazione e identificazione. Analisi degli strumenti indispensabili per catturare l’attenzione dello spettatore e agganciarlo fino alla fine. Eliminare la noia, produrre emozione.
• L’ADATTAMENTO
  Quando l’idea non è originale e il cinema rifà sé stesso (remake) e le altre arti (adattamento o riduzione). Una piccola guida alla trasposizione del già detto e del già fatto tra riuso, citazione e ampliamento. Elenco delle principali procedure dell’adattamento (sottrazione, espansione, appropriazione, drammatizzazione, etc.). Dal libro al film. Dal film alla serie. Dalla realtà alla finzione.
• SCRIVERE PER LA TELEVISIONE
  I formati delle serie tv. Scrivere per il piccolo schermo, ovvero strutturare in serie. Dal concept alla Bibbia, passando per il project format.  Teaser, cliffhanger, si fa memoria e ritorno dell’identico. Imparare a strutturare un mondo e una mitologia. Il personaggio televisivo e il tempo a disposizione. Evoluzione del racconto televisivo: quality tv e complex tv. Scrivere per la tv generalista, per la pay e per quella in streaming. Il mercato delle serie e dei programmi televisivi: vendere la propria idea.
• IL MESTIERE DELLO STORY EDITOR 
  Correggere se stessi e gli altri. Una professione in crescita tra cinema e tv. Imparare a correggere gli errori degli altri per diventare editor di se stessi. Analisi dei principali problemi presenti nelle prime stesure di uno script. Saper riconoscere il sintomo e individuare esattamente il problema, correggerlo e rivedere il tutto.
• ESERCITAZIONI PRATICHE E REVISIONE DEI LAVORI DEI CORSISTI IN CLASSE

Altre materie obbligatorie del corso:

• Parte generale del programma di Regia.
• Prime 3 parti del programma di Montaggio.
• Parte generale del programma di Fotografia.
• Parte generale del programma di Produzione.
• Storia, analisi e critica del Film.
• Linguaggio Audiovisivo.

Il numero delle ore riservato alle singole materie varia a seconda della fase dell'anno accademico e delle decisioni prese di volta in volta dal collegio dei docenti in funzione del raggiungimento degli obiettivi formativi.